Sonidos Colombianos

Escuchar los sonidos colombianos, no tiene precio

2009-10-11T10:34:00.000-07:00

Por: Luisa Piñeros

Y mi querida capital esta efervescente de premios, eventos y conciertos. Llega por primera vez la realización de los aclamados MTV, acaban de pasar los ya casi trillados premios shock, se viene pierna arriba grandes shows como Depeche Mode, The Killers y en 2010 Coldplay. Qué bueno que esta ciudad sea cada día epicentro de shows dignos de un público grande y asiduo de música.

Semanalmente y en diferentes puntos del país, el músico colombiano de bajo perfil y grandes ideas se las está ingeniando para tener una visibilidad notable en medio de tanta demanda musical, teniendo en cuenta que la competencia ha dejado de ser local para sumergirse en una globalidad avasallante que exige calidad y profesionalismo y que obliga a dar el grito de independencia y colonizar los oídos del mundo sin necesidad de repetir las fórmulas efectivas del mercado, no hay por qué copiar e imitar equivocadamente los estereotipos de otras culturas que han sido exitosas. La clave está en mirar hacia acá, volver a la raíz, reconocernos como hijos de indígenas y negros, provenientes de una raza mestiza con poder absoluto para hacer auténtica música.

A gritos estamos pidiendo la unión de todos para entender este encantador fenómeno que hemos vivido en el último siglo y que hasta ahora está en su primera fase de reconocimiento. Al igual que los españoles cuando llegaron a colonizarnos y se encontraron con una tierra exótica y rica en todos los sentidos, y se quedaron maravillados frente a tanta exuberante belleza que los llevo a cometer el error de esclavizarnos para robar nuestra riqueza; es hora de mirar el pasado y reencontrarnos con lo que somos: chicha, guarapo, yuca, papa y baile. Gaita, tambora, arpa, requinto, guacharaca y aguardiente. Somos Petronio, Mono Núñez, san Pelayo, Carranga; somos Edmundo Arias, Velandia Y La tigra, Flautas Caucanas, chirimias, Bullerengue, Música de agua, Vallenato, Pop, capachos y mamona, viche y ríos cristalinos para inspirar una canción que te puede tocar el corazón con mucho son.

Por eso no hay premios que se le igualen a vivir de cerca los festivales de nuestro país, no hay concierto foráneo que te llene el alma comparado con un auténtico músico que toca su marimba, un tamborero que se quema las manos en los cueros; una mujer que te imante al interpretar un bullerengue a orillas del mar. Nada se compara como vivir y ser parte de los sonidos colombianos. Así que adelante porque atrás no dejaron nada, que en cada esquinita de este ecléctico país se viva el mestizaje con tolerancia, identidad y lo más importante amor, amor por mi tierra.

Hasta la próxima, sigue moviendo la patica . Paz y luz en tus oídos.

De los parques, los bares y la fortuna del rumbero

2009-09-15T20:45:00.000-07:00

Por José Fernando Perilla

Lo más esperado de Jazz al Parque es cosa del pasado. En su conjunto, el desarrollo del festival reunió charlas, talleres, ruedas de negocios para que los músicos subsistan y por supuesto conciertos desarrollados en dos jornadas, los días 12 y 13 de septiembre. Hubo de todo. En ese sentido se cumplieron los propósitos expresados por Maria Claudia Parias, directora general de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, quien en la introducción a una ilustrativa cartilla dedicada a la programación, plantea los festivales al parque como “escenarios donde se valida la diversidad, la inclusión y la interculturalidad”.

Al decir que hubo de todo, me refiero tanto a la música como al público. Por lo mismo y tanto cosas que gustan y que disgustan, según por dónde se le coja al toro. Cuando volví a mi casa luego de medio concierto del “Groove Collective”, agrupación final, cedí a esa tentación humana de tenerlo todo cuantificado y bien clasificadito. Así que lista en mano hice cuentas de cuántos me habían gustado de los que vi, para tener un balance objetivo de mi experiencia en el festival.

Basura. No digo que sea imposible, habrá quien logre generar esos acertados juicios de valor en torno a las intervenciones de cada grupo en particular y un consolidado del festival en general (son pocos los que lo hacen en este país). Pero aquí prefiero irme por la fácil sencillez de la “opinión” (de lo contrario me puede pasar algo, uno nunca sabe). Además, como reza la canta, “todos estamos implicados”, mucho más este servidor que prestó sus opiniones al comité asesor del festival, con mucho gusto y orgullo por cierto.

Así las cosas y para ser más ilustrativo, les digo honorables lectoras que, cumpliendo con otro firme propósito de la filarmónica, lo que más goza uno de estos festivales, efectivamente, es el encuentro con otros ciudadanos. Sobre todo en los intermedios entre concierto y concierto cuando pulula la rajadera y los discursos en torno a lo que debería ser y no ser de la música en Colombia, pero que misteriosamente, habiendo tanto sabio por ahí, sigue y no sigue siendo.

Hasta Chávez y Uribe pasaron un rato en la cámara ardiente del murmullo. De ahí para arriba, cada uno de los músicos participantes tuvo su cuarto de gloria y su condena en el infierno de la sabiduría popular. Yo por supuesto aporté mis reflexiones circundado por personas cercanas entre las cuales lo máximo que puede pasar es no estar de acuerdo. Pero eso es muy raro, porque entre amigos con afinidades en gustos musicales, fácilmente se llega a consensos.

Por eso ahora quiero reproducir algunas de mis opiniones y algo de lo que recuerdo haber escuchado de la masa. Para ver si alguien opina diferente a mi pequeño círculo y ofrece, si se anima, una perspectiva alterna a la de este difusor. Vuelvo a mi tentativa cuantificadora solo para contarles que no pude verlo todo. Lamento haberme perdido algunos de los que me perdí, otros sencillamente se me escaparon y ya. Así que me referiré solo a algunas cosas que llamaron particularmente mi atención.

I.

En Colombia debería haber un museo de la música, con exposiciones constantes de discografías, rarezas así como afiches de grandes conciertos, archivos de audio y video con anuncios de fechas musicales memorables, archivos de prensa, videoclips, algo así como lo que hicieron una vez en el museo nacional con el rock, pero constante. Y de todo tipo de música. En ese museo, con juegos para niños y grandes, con entrada libre y con un bonito bar, debería haber una tarima con back line para que constantemente tocaran todos los pioneros.

El bar que fuera a la usanza de las épocas, como el de la escena memorable de “Pulp fiction”. Y que los pioneros se sintieran “en su salsa” y uno de paso se dejara contagiar. Una reproducción fidedigna de alguno de todos esos bares que siempre se mencionan con nostalgia. Tal vez así estos músicos no tendrían necesidad de empeñar el saxofón, como tristemente lo reconoció alguno de los homenajeados en el momento de recibir su placa memorable.
Quizá de esa forma tendrían espacio los pioneros para continuar expresándose de manera recurrente, ejercer su profesión como es debido y evitar ese rompimiento generacional que no permite que en Bogotá las jóvenes generaciones acepten con mayor agrado lo que hacen en el escenario (cada-casi-nunca) aquellas luminarias, y que al mismo tiempo no les permite a aquellos dejarse contagiar de las nuevas sonoridades. Tal vez de esa manera, uno sentiría que no está visitando un museo a la usanza decimonónica, con inamovibles vitrinas, sino que esta recogiendo de verdad los frutos y las experiencias del pasado de manera provechosa.

Julio Arnedo es un pecador. Un hereje. Andaba yo en una ocasión circulando por los camerinos del Teatro Colsubsidio “Roberto Arias Pérez”, en espera de una de las presentaciones de los “Veteranos del Caribe”. Algunos murmuraban, como siempre, en torno a la “salida del estilo” que minutos antes había cometido el emérito patriarca. Resulta que en la prueba de sonido Arnedo el padre se había despachado un solo infernal que nos dejó a todos posesos de una sensación de libertad algo peligrosa en su virtud revolucionaria.

En mi gusto, eventos de esa naturaleza han calado hondo y atribuyo a su efecto malévolo que cuando me encuentro con ejecuciones tan determinantemente impecables, cuasi angelicales, como traídas directamente del paraíso para deleite del inmundo, pues no me gusten. Es lo que me pasó, por ejemplo, con propuestas como la de Greg Diamond, que como su nombre lo indica, brilla por su pulcritud e irrompible tesón en el momento de abanderar el virtuosismo y la limpieza. Tal cual, fue impecable, como los costosos diamantes.

II.

Por otro lado estuvo la mano negra, la del carbonero, la sucia mano negra. De no ser porque en el bar “El Anónimo” todo es de ese mismo color, la indolente hubiera dejado miserables las paredes cuando algunos días antes se le vio salvaje en el escenario. El jueves 10 de Septiembre de 2009 hubo una noche memorable en ese oscuro lugar. Algunos de los músicos más contestatarios de la capital se reunieron para compartir escenario con algunos de los músicos más contestatarios del festival Jazz al Parque. La música contestataria estuvo a cargo del cuarteto de Ricardo Gallo y de remate, “The Cheap Landscape Trío”, liderado por Sebastián Cruz. Ambos colombianos, ambos de visita desde Nueva York. Contestatarios.

Para que no se doble la rama, diré de Gallo tan solo que fue como estar viendo “The song remains the same”. No como en estática vitrina por supuesto, pero en esencia, the same. Cruz por su parte, es el director musical y guitarrista de la banda de Lucía Pulido, invitada internacional del festival en cuestión. Asomaron por estas tierras el par de exiliados en compañía de Ted Poor, batería, Adam Kolker en el clarinete y el bajista Stomu
Takeishi, que se pone a tocar descalzo y como en pijama. Cochino.

Si, cochino, inmundo, pecador condenado. “A quien le guste el raga indú, el punk y el vallenato...” fue la manera en que Sebastián invocó los mil demonios en el bar. Y estos tres, Cruz, Takeishi y Poor, parecían como las malas ánimas quemándose en el infierno. ¿Que si eso era jazz? Yo creo que si, pero no sé, no me atrevo a asegurarlo. (Me puede pasar algo, uno nunca sabe). Lo cierto es que estos tres dementes, con o sin jazz, fueron los invitados. Y la propuesta de Lucía, jazz o no jazz, estuvo en el festival y fue un gran logro.

Sé que Jeannette Riveros, coordinadora general del festival, hace rato quería traer a la señora Pulido. Mucha gente quería verla y como ella misma lo dijo, llevaba 15 años haciendo música en la meca del jazz y nunca habíamos visto nada y casi ni escuchado, porque tristemente de sus discos ninguno se consigue en Colombia. Por eso en las sesiones del comité asesor hubo discutido consenso en el momento que su nombre desfiló por la pasarela de propuestas.

El primer canto de Lucía, inspirado en las expresiones musicales asociadas a las labores del campo en las llanuras ganaderas de Colombia, despertó no solo los aplausos del público, si no también un sol radiante que parecía como dándole la bienvenida luego de un buen rato de nubes inciertas. Un incauto papel brillante sobrevoló al público mientras Takeishi, de nuevo en pijama, daba muestra de una expresión fresca, sin las ataduras de formalismos recurrentes, eso que llaman clichés. Su juego era como el de ese papel, bello y sucio, rebelde. “¿Por qué me pega?” fue como una canción mandada a hacer para el momento.

Y así continuaron “Canoa Rancha”, “María en el mar”, “El niño quiere”, “Yo no tengo quien me quiera”, esta solo con bajo y voz en una atmósfera difusa que logró esa melancólica esencia de la música negra, con textos de otro condenado, Manuel Mejía Vallejo. Finalmente un vertiginoso fandango, “Déjala llorar”. Son canciones que se incluyen en el disco “Luna Menguante”, pero de seguro podrían haber sido muchas otras. En el pasado, Lucia recibió de manos de Manuel Zapata Olivella un casette cargado de tradición. Dos condiciones le impuso el emérito maestro: disfrutar y aprender.

Puede considerarse entonces una deuda cancelada, además con intereses, representados en un público entusiasta que expresó con sus aplausos estar en esa misma coordenada.

III.

Tuve que ausentarme justo para “Migthy Groove” y logré volver solo para el final de Adrian Iaies. “Un músico de jazz”, es como se denominó este argentino en entrevista concedida a Deysa Rayo en la emisora. Yo de metiche le había preguntado por el tango y por la temible libertad de la actualidad musical en el mundo. Él insistió en no pertenecer a la raigambre tanguera, insistió en abanderar con cada disco los ideales del jazz. Yo, al escuchar las piezas finales de su concierto, entendí lo tonto de pretender andar alineado con una denominación.

Aquí cualquier hippie resulta siendo un punketo y hasta el “calvo con botas” la pasa encantado en jazz al parque. Y gracias a dios, de lo contrario pensaría yo en volver a la caverna. No nos entendimos muy bien con Iaies al conversar por la emisora. Y aún sigo sin entender muchas cosas. Curiosamente la confusión de una pregunta dio pie para una gran respuesta en la que definitivamente se estableció la creatividad como la salvación del ser humano.

Al final de su concierto uno de los sabios se acercó y me dijo: “Me quedo con Mighty Groove, esos pelados proponen nuevas cosas, me parece mejor que este jazz mamón...”. Cambiamos de tema al rato pero yo quedé pensando que no, que no era mamón, y lo que no entiendo es cómo ese estilo tradicional, de manera misteriosa, suena actual. Y más me confundo cuando escucho cosas que sí me suenan aterradoramente anquilosadas. ¿Qué es, por el altísimo, qué es lo que sucede en un acorde, en una melodía, en una letra, en un mínimo gesto, un ruido... qué es lo que avanza con vitalidad en la música?

IV.

Antes de que terminara “South People” estaba por fuera una vez más. A lo último me ofrecieron una boleta para ver a Ronald Carter en el Teatro Libre y opté por perderme el concierto de Rik Mol. Al día siguiente el guitarrista de la joven banda bogotana me corchó al preguntarme cómo me había parecido su concierto. Cobarde le conteste que muy bueno. Me remató al puntualizar sobre la cantante que salió al final y en el desubique yo ni siquiera recordaba qué había sucedido.

Ahora le ofrezco disculpas públicas. La verdad presté atención al concierto de “South People”, pero la perdí al poco tiempo y seguramente cuando ella se paró en el escenario, yo me encontraba parqueando en Chapinero.

Tampoco pude llegar temprano a “Head Quartet” (descaro, perdónenme por favor, debo ser sincero). Pero alcancé a ver y escuchar una Big Band Siglo XXI latinoamericano sin fronteras en tensión. Deberían volver a invitar a la “Simón Bolivar” para celebrar el bicentenario (risas pregrabadas). O mejor, debería tener Colombia una propuesta así de atrevida, que en su repertorio primaran las obras nuevas de compositores nuevos y que de golpe grabaran un disco para que supieran sus integrantes que de esa forma jamás se van a ganar un grammy.

“Audiotrópico” me recordó tangencialmente la sensación que tuve con la presentación de “Puerto Candelaria” un año atrás. Coincidieron en su intención de “levantar” al público. La diferencia, además de musical por supuesto, es de experiencia. “Audiotrópico” es una banda joven, igual que “South People”, de la que esperamos desde ya su anunciado primer disco (de “South People” señoras, “Audiotrópico” lo publicó en el 2007).

Me gustó ver que la gente se entusiasmó con estos jóvenes bogotanos. Algunos atrás incluso bailaron con un frenesí sorprendente, parecían escuchando el Sonido Bestial. Yo por mi parte estaba haciendo “mala jeta”. Pero el tonto es uno que quiere que todo los grooveros suenen de una vez como “Medeski, Martin and Wood”, y eso nunca será así. Yo creo que tanto a “Audiotrópico” como a “South People” les queda, no todo, pero si buena parte de un camino muy difícil. Porque cuando lo nuevo es la única consigna los resultados pueden ser o no ser satisfactorios. Pero cuando decide uno meterse con estilos de tan amplio reconocimiento, me refiero al funk, a la timba, al hip hop, entre otros, tiene la responsabilidad de salir con algo por lo menos, igual de bueno a lo anterior.

Por eso insisto en que debería haber un escenario constante para los pioneros. Porque muchas cosas aquí ya sucedieron, pero se olvidaron. Y poderlas ver constantemente sería sin duda la mejor escuela. Como cuando uno tiene de nuevo la oportunidad de ver a Claudia Gómez o a Antonio Arnedo. Ellos no son de los pioneros, pero tampoco la vanguardia. Y entre lo uno y lo otro es peligroso que sus experiencias caigan en el olvido. A diferencia de los pioneros, cada uno de ellos cuenta con una nutrida discografía. Eso es muy favorable. Lo triste es tenerlos en concierto tan rara vez.

V.

Claudia Gómez se presentó en Bogotá de manera recurrente más o menos en el momento que publicó su disco más reciente, “Majagua”, cerca del año 2005. Verla cantar en bares solo con su guitarra, en el Teatro Colón junto al “Colectivo Colombia” dirigido por Arnedo, o verla en trío junto a las voces de Paula Ríos y Victoria Sur, son experiencias que reposan en mi memoria con honores. Pero tengo la sensación de que poco a poco se van quedando en el pasado.

Y esa iniciativa de Arnedo, el “Colectivo Colombia”, que tristemente no prosperó con mucha fuerza, sin duda sería mucho más efectivo que montar las canciones para el concierto de “Jazz al Parque”. Recuerdo a Claudia junto a Puerto Candelaria, a Guafa Trío con Curupira, y al mismo Arnedo improvisando sobre la base de esta banda bogotana, que también se va quedando y se va quedando...

Fue muy grato ver a Claudia Gómez en el festival. Una voz madura, de la que pueden tomar muy buen ejemplo las demás vocalistas que desfilaron por la tarima. Esta mujer encarna una generación a la que le tocó más difícil. La muestra está en los escasos discos de jazz que se conocen de los 80 y los 90. Sus acompañante, por ejemplo, Germán Sandoval, “vaca sagrada” del desarrollo de esta práctica en el contexto nacional, aún está luchando por sacar su producción en condiciones ideales que él con justo empeño desea para plasmar su música, pero que tristemente en este medio difícilmente llegarán.

VI.

Un comentario de otro sabio despertó mi risa y una nueva reflexión. “Arnedo se volvió a hechar el cuento del clarinetista loco...”. Éste lo recibí al volver con afán al festival. También me perdí la presentación de Arnedo en Jazz al Parque, pero pude verlo en el Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia, el mismo día de la mano negra referida.

En el “León” no se hecho ese cuento. Se hecho otro, se hecho el cuento de su música, una de las más queridas en el escaso panorama del jazz colombiano. A muchos les molesta que Arnedo “siempre toque lo mismo”. A mi no. A mi no porque creo que puedo contar con los dedos de las manos las ocasiones en las que he podido verlo en escena y además sus discos me gustan. Su música me gusta y su humor no es tan bueno, pero juega bien con el resto de sucesos. Una vez vino con Jerónimo Carmona y Carto Brandán, los músicos de su más reciente disco. Que difícil para mi fue ese concierto. Mucho antes estuvo en la Luis Ángel Arango con Satoshi Takeishi, una presentación única que debió haber estado llena de niños.

Ahora lo acompañó en la batería Ted Poor, ya mencionado. Me refiero a él porque de los que conformaron el grupo en esta ocasión, fue el músico que menos contacto había tenido con Arnedo y por lo menos en el concierto del León, fue de los más atrevidos. Muchos colombianos se sienten orgullosos de que ciertos aspectos rítmicos de la música costeña sean confusos para músicos de otras regiones del planeta. Ese cuento me ha parecido desde siempre una falacia, ya lo había rebatido Satoshi y ahora lo remató Ted Poor. Y si alguien tiene dudas, por favor remítase a la más reciente publicación de Pacho Dávila y escuche a Pheroan Aklaff, presente también en el “Bunde Nebuloso” de Monsalve.

VII.

Con el entusiasmo de la escena vivida con Lucía, le dije a Gina Savino, poco antes del concierto, “cuando cantes, va a salir el sol”. Qué poca cosa, casi al mismo tiempo se le vino aguacero. Bueno aguacero no, fue una dosis bien medida de gotas que con fortuna lograron ubicarme en ese estado de introversión acorde con el timbre sutil de esta hermosa bogotana.

Gina Savino, al igual que Claudia Gómez, poco nada tiene que ver con el imaginario recurrente de la voz femenina asociada a la diva jactanciosa. Todo lo contrario. Gina tiene un estilo único como resultado del buen gusto, del estudio y de muchos influjos que ella deja brotar con justicia, dando espacio cómodo para una tripleta excepcional con la que ronda en escenarios desde unos buenos meses para acá. Juan Carlos Padilla, bajista, Pedro Acosta, baterista, son músicos capaces de recrear el tipo de jazz que enmarcó esta práctica con esa odiosa etiqueta de “música para élites”. Pero justamente, gracias al férreo conocimiento de sus instrumentos en ejemplar armonía con el gozo, logran derribar por completo la barrera y en conclusión, producir felicidad con cada sonido.

El otro mosquetero, ilustre Jaime Andrés Castillo... podrían pasar horas de carreta. No tantas, eso si, como las que quisiera uno estar escuchando su manera de tocar, sin duda una lección de improvisación y multiplicidad estilística. Para mi, el guitarrista más creativo del festival, profundamente conmovedor en temas como “Desolación”, medio arabesco, o “Enamorao”, que si no me traiciona la memoria, cerró aquel bello concierto. Para ese momento había cesado la llovizna. Los ánimos calmados, como en hipnosis, cedieron con gusto al encanto del único solo como tal que tuvo Gina. Tal vez no, no lo sé, así lo sentí.

Creo que no hizo falta más, creo que no sobro nada. “Enamorao”, que bella canción.

VIII.

Gritos desgarrados de emoción, reacciones extáticas, vértigo inclemente, técnica desbordada, luces apropiadas, emoción, entrega, control, descontrol, libertad, amor, satisfacción, elegancia y vitalidad. “En ningún lugar”. En esas se me aparece de nuevo el sabio y me dice: “Pero ese jazz ya lo hemos escuchado...”. Yo estaba demasiado a gusto, no quería discutir, así que el sabio siguió con sus exposición objetiva de las circunstancias: “Demasiado redoble el de Anzola, tal vez si lo guardara para momentos especiales, brillaría más...”

El sabio sabe mucho, mucho en realidad. Y con sus conocimientos, que me transmite de vez en cuando, me hace reflexionar sobre mis gustos y de paso cuestiono con agrado mis inclinaciones emocionales. Tal vez lo que más me impactó de Anzola fue, paradójicamente, no haber escuchado en todo el festival, y antes en muy pocas ocasiones, un desborde tan controlado y salvaje a la vez, de música virtuosa. Muy virtuosa, si, pero ante todo música.

El sabio delató mi ignorancia. Yo, a diferencia de él, no había escuchado “ese jazz”. Por eso me gustó, porque lo más emocionante de la música es vivirla con esa ansiedad que por naturaleza siente el humano ante cualquiera nueva persona-animal-o-cosa. Me gustó porque uno mismo se reinventa en cada nueva oportunidad que tiene de encontrarse la música de frente. Porque si uno está dispuesto, puede sentir que cada concierto es una razón para seguir respirando con agrado.

IX.

La música es una buena causa y por eso su efecto a veces se pone peligroso. Que alegría. Me gusta Bogotá por sus limitadas oportunidades. Me gusta porque aquí es difícil hacer música, a la par de la bailable y de esa que no sirve para nada. Pero yo, mal católico, llego tan solo a ser un afortunado testigo que se dedica a escucharla donde quiera que aparezca. Por eso en parte intento no perderme Jazz al Parque. Y por eso, sobre todas las cosas, por eso mismito es que desde infante me ha gustado, me gusta e intentaré que me siga gustando la poderosa pachanga, esa que es viva, negra, sucia, pecadora y sin nombre.

Gracias.

Bogotá, septiembre 15 de 2009.

(A mi hijo Adán).

Los secretos del Pacifico y la Radio Nacional de Colombia

2009-08-23T08:48:00.000-07:00

Durante cinco días, con sus 24 horas completas, la Radio Nacional de Colombia estuvo presente en la ciudad de Cali, viviendo de lleno la XIII edición del Petronio Álvarez, la fiesta más importante del litoral pacífico porque reafirma una raza, una música y una cultura.

El secreto fue develado a todos los que pudimos asistir a este mágico encuentro con el piano de la selva y sus acompañantes, una experiencia imborrable por la magnitud del sentimiento musical.

Más allá de un festival con ganadores es una experiencia de vida en la que se combinan sabores, bailes, amigos, negros y blancos, chontaduros y empanadas de tollo, luladas y pinchos callejeros, bombos y cununos, mariscos y manjar blanco, bebidas afrodisíacas que te permiten entrar en conexión con esa música que jamás habías escuchado. Son los secretos del pacífico hechos canción.

Para la Radio Nacional de Colombia fue un orgullo haber estado durantes los días de festival realizando el cubrimiento y lo más importante llevando al oído de los oyentes la marimba, los violines caucanos, la versión libre y la chirimia; cuatro modalidades que se premiaron al borde las 10:40 de la noche en la plaza de toros de cañaveralejo, el día 16 de agosto, en medio de la euforia de casi veinte mil espectadores que batieron sin césar ese símbolo del gozo absoluto: el pañuelo blanco.

A lo largo de seis horas estuvimos a acompañando a nuestros oyentes dentro y fuera del país, en una experiencia única de imaginar un lugar en el que la alegría es desbordada y la música el eje principal. Es la magia de la radio, la que te permite soñar, inventar el mundo y vivir a través del sonido.

Gracias por estar con nosotros, somos LA RADIO NACIONAL DE COLOMBIA.

Una cita con el 'Piano de la Selva'

2009-08-10T12:46:00.000-07:00

Por Luisa Piñeros

Radio Nacional de Colombia, presente en la XIII edición del Festival Petronio Álvarez.Comenzaremos por contar quién fue el señor Petronio Álvarez, el que por estos días anda de boca en boca, inspirando a músicos, seguidores, curiosos, novatos y afrodescendientes que se alistan para vivir de lleno la fiesta más grande del pacífico colombiano.

La maleta está empacada, con pañuelo blanco a bordo, lista para un encuentro casi sublime entre África, la Selva del Pacífico colombiano y una cultura rica en música y saberes.

“El músico colombiano Patricio Romano Petronio Álvarez Quintero, nació el 1 de octubre de 1914 en la Isla de Cascajal, cerca de Buenaventura, puerto del que en vida fue un enamorado y le inspiró su canción más conocida en la actualidad: “Mi Buenaventura”. Durante su infancia la música se convirtió en su principal medio de expresión, dedicándose a tocar guitarra antes de cumplir los 20 años de edad. En 1935 creó el conjunto musical “Buenaventura” y aunque la música del Pacífico fue su principal pasión, tuvo que dedicarse a oficios como el de notario y maquinista de la locomotora “La Palmera” de los Ferrocarriles Nacionales, hoy conservada como monumento nacional en Cali.

Este intérprete de sones, milongas, bambucos y currulaos, murió el 10 de diciembre de 1966 en Cali a los cincuenta y dos años. En su honor se le dio el nombre al Festival de Música del Pacifico “Petronio Álvarez”, que se celebra anualmente en Santiago de Cali.

Algunas de sus más reconocidas canciones con ritmo pacífico son: “Adiós a Colombia”, “El Cauca”, “Viendo Correr”, “Bome”, “Adiós al Puerto”, “Roberto Cuero”, “Cali, ciudad sultana” y el currulao “Mi Buenaventura”, que después de la primera grabación con Tito Cortés y Los Trovadores de Barú se popularizó en muchas otras voces y llegó a ser conocido como Himno de Buenaventura.

“Entre el 13 y el 16 de agosto la Plaza de toros de Cañaveralejo, ubicada en la Quinta con Guadalupe, se prepara para recibir diariamente a más de 15 mil espectadores para celebrar la XIII del Festival de la Música del Pacífico Petronio Álvarez. Un encuentro en el que se reivindican los valores culturales de nuestros afrodescendientes a través de la música.
Participantes de diferentes regiones del país, compiten durante cuatro días en las modalidades de “Versión Libre“, “Marimba”, “violines caucanos” y “Chirimía”. Estas cuatro categorías son la plataforma para vivir en medio de marimbas de chonta, cununos, guasa, baile, gastronomía, viche, tumbacatre, tomaseca y pañuelos blancos un encuentro inolvidable con los sonidos del litoral pacífico y su madre África.

Nombres como canalón, Herencia, Alegres de Timbiquí, Grupo Bahia, Chocquibtown, La Revuelta, chigualito, Nuevo Amanecer, Buscajá, Chonta cuero y Bambú, Grupo Palmeras, Ritmo Son, y cientos más, han hecho parte y estarán por primera vez batiéndose cara a cara con el público que mide la temperatura y la calidad del grupo en tarima según los hagan bailar.

La Radio Nacional de Colombia cubrirá el festival y transmitirá en directo el domingo 16 de agosto, de 5:00 p.m. a 11:00 p.m. Durante cuatro días todo girará en torno al bunde, bambucos viejos, jugas, currulaos, trajes con vistosos colores y la fuerza de una raza que está más viva que nunca.

El Homenaje del Año - José Antonio Torres – “Gualajo”“El pianista de la selva”El Festival de Música del Pacífico Petronio Álvarez rinde homenaje a José Antonio Torres “Gualajo” maestro de la marimba, catalogado por el Ministerio de Cultura como el mayor conocedor y mejor intérprete de la marimba de chonta, que ha sido reconocido por el Ministerio de Cultura con la medalla al mérito cultural que por los logros del músico en el exterior y en la conservación de los ritmos del pacífico.

No se pierda un solo detalle a través de nuestras 28 estaciones en todo el país y en nuestra página web www.radionacionaldecolombia.gov.co.

Participantes y Categorías

Versión Libre

Macharé de Buenaventura Valle, Karanganó de Cali, Guapi Son de Guapi Cauca, Esteros del Manglar de Cali, Pacifi Son de Buenaventura, Universidad Tecnológica del Chocó de Quibdó, Linaje de Pereira, Phoclórica de Bogotá, Grupo Chigualito de Bogotá, Ensamble Marimba Clarinete de Esmeralda Ecuador, Grupo Bentú Istmina Chocó, Mani Son Brothers de Cali, Tierradentro de Medellín, Sol Marea de la Tola de Cali, Chonta Urbana Guapi Cauca, Hojitas de Naranjo de Cali, Grupo folclórico Marimbas Bantúes de Medellín, Afroetnia de Palmira, Sin Nombre Son de Cali,Grupo los Porrongos IPC de Cali, Bareke Star de Bogotá, Palenke Abakwa de Bogotá, Asociación Afro Cultural Bambuco de Mosquera Ecuador, Jao y Malon de Florida Valle, Chirimía Orquesta Oro y Plata de la Universidad Pedagógica Nacional –Bogotá, Machanqueo Breiner Balanta Suarez, La Mojarra eléctrica de Bogotá, Grupo Folclórico Berejú de Cali.

Marimba

Tambores de la noche- Buenaventura, Boncará- Nariño, La juga-Palmira, Remolinos de oveja-Suarez, Grupo Folclórico Pura Sangre -Cali , Corporación de Música Tradicional Changó -Tumaco Nariño , Palmeras del Pacífico -Buenaventura , Chonta, cuero y Bambú-Ecuador , Fundación folclórica Manglares - Pradera Valle , Tulúa Negra –Tuluá , Nuevo amanecer-Bahía Málaga, Bombo y Guazá-Tumaco, Integración mi Caiceña-López de Micay Nariño- Tatabro- Cerrito Voces de la Marea-Guapi- Rio Timbiquí Timbiquí, Grupo Innovación Timbiquí, Santa Bárbara de Timbiquí , Renacer Saijeño Petrona Timbiquí, Estampas Folclóricas del Pacífico- Buenaventura, Alborada -Guapi Cauca, Ruiseñores del Pacífico –Buenaventura, Raíces Africanas-Buenaventura, Los Caracoles Cantoré del litoral pacífico –Buenaventura, Grupo Buscajá-Buenaventura, Tambores de la noche- Buenaventura, Matamba -Buenaventura, Huellas Africanas-Buenaventura, Pregones del Manglar- Buenaventura.

Violines Caucanos

Cantoras del Patía- Patía Cauca, Son del Tuno-Palmira Valle- Brisas de Catalina-Buenos Aires Cauca, Dejando Huellas- Puerto Tejada Cauca, Brisas de San Miguel-Vereda de San Miguel Cauca, Tambores del Cauca Suarez Cauca, Nuevo Amanecer Afro-Honduras Cauca, Auroras del Amanecer-Suarez Cauca, Caña Brava- La Toma Suarez, Grupo Musical Renovación-Coloto Cauca, Pluma Blanca- , Aires de Dominguillo.

Chirimía

Nostalgia Chirimía- Quibdó Chocó, La Chocuanita-A ntioquia, Ensueños del Pacífico Quibdó Chocó, Tanguí Chirimía, Quibdó Chocó , Tamborè Chirimía Quibdó Chocó, Raíces de Guajuí –Guapi Cauca, Somos Madera Quibdó Chocó, Grupo Mi Raza – Cali, Herencia Feminista Quibdó, Grupo África - Palmira Valle, Pinchindé-Quibdó Chocó, Son Bacoso, Golpe Femenino, Ancestros del Rio Napi, Choiba.

Radio Nacional de Colombia todos los sonidos en el Petronio Álvarez.

ALFONSO CÓRDOBA, MÁS “BRUJO” POR SABIO QUE POR “DIABLO”

2009-07-10T10:20:00.000-07:00

Por José Fernando Perilla

Luego de 83 años de existencia, el pasado 26 de junio Alfonso Córdoba falleció en Quibdó, ciudad que de manera análoga al propio “Brujo”, como mejor se le conoció a este ilustre personaje, está ubicada en el corazón del departamento del Chocó. Allí mismo nació “El brujo” en el año 1926, cuando el misterio del río Atrato guardaba con celo miles de historias y vivencias propias del negro colombiano.

Siendo uno de los más reconocidos músicos del pacífico colombiano, la obra del “Brujo” es homenaje a la tierra en que formó desde pequeño un talento especial para escribir canciones; y también homenaje a su padre, boga de profesión que además del transporte, tuvo a cargo entretener todos aquellos pasajeros que definieron su existencia con las bondades del río. Allí identifico el meritorio “Brujo” las fuentes para innumerables cantos y cuentos que se suman a labores que realizó como orfebre, carpintero, joyero, calígrafo y constructor de instrumentos, con los que amenizó desde bailes y fiestas locales hasta medianos conciertos en diversas ciudades de Colombia.

La música del “Brujo” responde en gran medida a la tradición cubana, influyente en toda Colombia desde los albores de la industria discográfica y la radiodifusión. Además de los tríos de boleros, a la orden del día estuvieron sonoridades tipo sexteto y orquestales tipo “Sonora Matancera”, en la programación de emisoras como CMQ y Radio Progreso, que desde Cuba propagaron por buena parte del caribe el sentir musical de la Habana, llegando incluso hasta aquel remoto departamento colombiano.

Por entonces, años 30, 40, la navegación a vapor incrementaba su presencia en el río Atrato, lo que puso en contacto creciente a Quibdo con el planeta. Para el desarrollo musical es de destacar la llegada de los discos y sus aparatos reproductores, además de personas foráneas con sus propias tradiciones. Estas fueron condiciones para el surgimiento de una generación de gran cuantía a la que pertenecieron, además del “Brujo”, músicos como Aristarco Perea, Augusto Lozano, Gastón Guerrero, Ignacio Hinestroza “Chagualo”, Víctor Dueñas Porras, Lucho Rentería “Cayayo” y Neptolio Córdoba, entre muchos otros.

Pero no fue solo Quibdo el contexto musical del “Brujo”, y no fue el Atrato el único río que subió y bajó. También recorrió el Baudó y el San Juan, ríos del Choco que van a dar al Pacífico en tierras de Chirimía y Marimba. El Atrato por su parte desemboca en un caribe bullerenguero, sextetero y de bandas. Con 20 años de edad el “Brujo” la pasó entre Cartagena y Barranquilla, donde ratificó su reconocimiento como constructor de muñecos y disfraces para gozar en carnaval, una faceta que ya venía en desarrollo desde la infancia.

En la capital del Atlántico “El Brujo” conformó “Los Mayorales del ritmo”. Inmerso en la industria musical, se movilizó con esta a la ciudad de Medellín. Su voz quedó registrada como parte de los coros de una agrupación insigne del denominado “chucu chucu”, nada menos que los “Teen Agers”. Con este tipo de propuestas, “Brujo” a bordo, se dio inicio en los años 60 a una nueva etapa para el desarrollo musical con base en la tradición del caribe, de la que hoy seguimos recogiendo variados frutos.

De nuevo en Quibdo, por el año 63 el “Brujo” conformó “Los negros del Ritmo”, agrupación a la que pertenecieron Gerardo Rendón y Julio Cesar Valdés, integrantes del “Trío Atrato” con quienes grabó tres de sus canciones cerca de 40 años después. De esta agrupación, “Los negritos...”, se conoce una hermosa fotografía incluida en el folleto del disco “El Brujo y su timba – Música del viejo Chocó”. Allí encontramos al Brujo, inmerso en un formato que incluye trompeta, dos saxos, guitarra, conga y timbal. Y qué contento se le ve, lástima que no se le escuche.

“Los negritos del ritmo”, nos cuentan allí al lado de la foto, estuvo sonando entre el 62 y el 73. La época de otro grande del pacífico colombiano, Peregoyo y su Combo Vacaná. Quizá algo similar haya sido su sonido. Luego vinieron dos bandas, “El Brujo y su Timba” y “El Brujo y su banda”, como preámbulo para un corta participación del “Brujo” en la nómina del “Grupo Niche” durante los años 80, cuando se radicó en la ciudad de Bogotá. Por ese entonces la “Orquesta Guayacán” publicaba su segundo disco “Que la sangre se alborote”, 1987, que incluyó “Son Cepillao con Minué”, tema del “Brujo” que se convirtió en un éxito de la agrupación, motivo por el cual fue incluido nueve años más tarde en una compilación de 16 grandes éxitos de la orquesta, “La otra cara”.

Otros éxitos del “Brujo” en manos de “Guayacán”, fueron la canciones “Vano retorno” y “Nostalgia africana”, canción esta que por otros lares grabó Yuri Buenaventura. “Mojarra eléctrica” incluyó en “Raza”, su segunda producción, “La Pataleta”. Estos registros de sus canciones en el medio discográfico se suman al álbum “Los brujos del son”, que Alfonso Córdoba grabó en 1989 en compañía del vocalista chocoano Napoleón Cossio y al disco titulado “Nostalgia africana” del año 1998.

En cuanto a sus agrupaciones no sobra mencionar además a “El Brujo y su banda”, “Grupo Africanto”, “Sukundún” y “Raza”. Fue esta la forma que encontró Alfonso Córdoba para dejar plasmado su talento e inagotable imaginación. Tristemente, en la actualidad se consiguen solo dos discos, uno junto al mencionado Trío Atrato, “Chocó, cantos de río, selva y ciudad” y lo más reciente, “El brujo y su Timba, música del viejo Chocó”, dos producciones realizadas por Guana Records, a cuyas notas se deben buena parte de los datos consignados en este escrito.

El sabio “Brujo” tuvo la fortuna de vivir en carne propia un tormentoso y a la vez paradisíaco siglo. La industria musical, emergente en el momento que dio rienda suelta a sus aventuras, reconoció muy poco su particular talento. Ahora, en la recta final, jóvenes entusiastas se dieron a la tarea de desenterrar aquella leyenda, por lo cual esperamos como póstumo homenaje, la publicación de al menos dos documentales sobre su vida y su basto numero de canciones.
Paz en la tumba del “Brujo” y felicidad para los vivos que podemos recordarlo por sus valiosas canciones.

LOS SABORES DEL PORRO

2009-07-02T08:39:00.000-07:00

San Pelayo –Córdoba – Colombia

Por Luisa Piñeros

El porro se cultiva silvestremente en el patio de las casas cordobesas. En los solares se toca, en la plaza se baila, en las escuelas se enseña.

Dentro del ADN de los habitantes de la región, vienen incluidos bombardinos, clarinetes, trompetas, redoblantes, bombos, platillos y voces que por décadas han ayudado a consolidar un movimiento musical que reafirma la identidad sínuense.

El Festival del Porro de San Pelayo celebró durante el 26 y el 29 de Junio, su edición número 33, iniciando desde 1977 de forma rudimentaria pero con la intuición de poner al porro en el status que ha ganado en estos largos años.

Pisar tierra pelayera es entrar en un mundo desconocido en el que poco a poco sus habitantes se encargan de mostrar. Así como las puertas de las casas permanecen abiertas, los corazones están de par en par para compartir con foráneos como yo.

El festival se empieza a vivir justo en el momento en el que las bandas hacen su arribo una tras otra a la plaza principal. Su carta de presentación y la manera de decir aquí llegamos, es la interpretación de algún porro tapado, palitiao, fandango o cumbión. Con esa primera impresión, los espectadores y lugareños, empiezan a tomarle la temperatura a los concursantes.

Las noches en la tarima Maria Varila estuvieron llenas de notas en diferentes géneros. Como preámbulo a la mágica Alborada, los motores los calentamos con Adriana Lucia, Juancho Torres y su Orquesta, La Banda Maria varilla de san Pelayo, el cuarteto Oreste ( hijos de Pablo Flores ), y la banda 20 de diciembre de Cotorra. Con toda esta música encima, la descarga llegó a eso de las 4 de la mañana, recibiendo el alba, dándole los buenos días al porro. Durante casi dos horas emprendimos un recorrido detrás de las bandas que iban rumbo a la tarima principal para entre todas conformar la Gran Banda Pelayera. Más de 500 músicos en tarima, interpretando al unisino el himno nacional ; temas como “ soy Pelayero “ y el gran cierre con el “ Maria Varilla “, el más representativo del festival. Justo en ese momento de alucinación sonora, tuve un instante de lucidez para entender que el porro es una actitud, un rito místico y religioso, una danza, una forma culinaria, una energía que se mete por los pies y desemboca en un baile incitador, coqueto, femenino, donde tienes que bailar con los brazos arriba, abrazando al viento que trae los sonidos para tu alma.

Solo puedes sonreír ante el espasmo de emociones que produce vivr una alborada. Te olvidas de dónde vienes, dejas de existir como individuo para entregarte al regocijo colectivo, a la dicha de existir, a la gracia de estar vivo , al placer del baile. El cuerpo se transforma, el porro está vivo.

En san Pelayo no se duerme, se toma ron y se baila en cada esquina. Se viven los desfiles callejeros, se come sancocho pelayero, diabolines, suero con yuca, se toma jugo de carambolo, te refrescas con raspado de colores, te emparrandas con la gente , te enamoras en la rueda de fandango, te entregas a la música y ella te recibe con la calidez que tienen las cosas sencillas.

Este festival es la consecuencia de una herencia musical que se ha pasado de forma oral y también enseñada. De niños ya están contagiados con su cultura, la defienden , la bailan con sus tías, la tocan en las calles. El sabor que queda luego de convivir durante cuatro días con estas personas que parecieras conocer de siempre, es de gratitud por no dejar morir sus tradiciones, por hacerle resistencia a esos híbridos culturales del mundo moderno. En sus hogares se vive la fiesta y las tarimas son el espacio propicio para recordar la importancia del baile. Cada año, los pelayeros se engalanan para mostrar lo mejor de su cultura, son grandes anfitriones, y desde ahora, grandes amigos mios del porro.

Costeños de agua dulce, cienagueros , habitantes de la riviera del sinú , gracias por tan bellos sonidos. Si la vida lo permite empacaré mi mochila, mi sombrero 21 vueltas y un par de sandalias para no parar de bailar.

Que vivan los sabores del porro.

EDSON VELANDIA... ¡¡¿QUIENEJESEMÁN?!!

2009-06-13T08:18:00.000-07:00

Edson Velandia. Nombre que no dice mayor cosa, poco sonoro, nada pegajoso. Una de esas particulares generalidades. En el ámbito de la “música nacional”, tal vez alguno recuerde, con el apellido, lo de la vereda de tal en la inolvidable “Cucharita”, de Velosa. Pero no le hace, Edson Velandia, gran anónimo, no es de Saboyá; nació en Piedecuesta, departamento de Santander.

A continuación un breve perfil del personaje, inspirado en su música (es músico, si señoras), en sus discos y en lo conmovedor de su presencia cuando decide pararse en el escenario. Aquí no hablamos de carrera, mejor referirse a una trocha de experiencias de eso que a falta de etiqueta se puede denominar “perspectiva interdisciplinaria”. Cuidado con las ramas.

Cuenta Velandia con la nada despreciable cifra de cinco producciones discográficas, aunque no todas hechas por el solito. De primerazo, un disco que pudo ser, pero no fue, un gran paso en no se sabe qué dirección, solo se sabe que gran paso. La agrupación “Cabuya”, que jugó con Edson en la delantera, dio a conocer su primer trabajo en el año 2004. Decimos que “pudo ser” porque “Comienza el garroteo”, como se titula el ejemplar, es uno de esos casos con los que, tristemente, “no paso nada”.

Pasó mucho en realidad, pero nada prosperó. Como que sí se conoció Cabuya, como que no, y todos los conciertos en Bogotá se llenaban, pero entonces, cuando se animaron a trastearse de Bucaramanga a la temible capital, pues el capital mismo se encargó de reventarlos. El primero en salir a volar fue don Velandia. Aquí que no peco dijo y de una vez fue que empacando la maleta agarró su soberana y de vuelta pa’ Piedecuesta, su pueblo. Sin echarle mucho lápiz, puede decirse que un gran logro de esa etapa fue allanar terreno para nuevas producciones.

Entre el año 2006 y el 2007, Edson habitaba a ratos en la casa de su padre, Germán Velandia, otro de esos indomables del verbo musical. Lo saludé de mano un domingo cuando muy atento del esférico, don Germán esperaba el gran evento de la tarde viendo la televisión. Aún me cuesta imaginar que persona tan aparentemente normal, se haya ganado un carro a costa de las risotadas del público que quince años atrás lo coronó campeón cuentachistes en Sábados Felices.

La poco recordada celebridad del papá Velandia es debida a su torbellino “Las Profesiones”, escrito en el estilo que de pasó marcó la vena creativa de Edson Velandia infante. Ya en la adolescencia, al hijo Velandia le dio por los chistes, la guitarra y otro poco de cosas que lo llevaron a la puerta de la academia y más tarde, o sea ahora, a inventar su propia manera de conjugarlo todo, sin olvidar de dónde es que viene el humor de sus canciones y lo buen payaso en general de su actitud. Por eso dice que su música es “jución”, no “fusión”. Viene más bien como de “conjugar” y “jugar”: jugar a ser alcalde por ejemplo, y conjugarlo con una cabeza de burro.

Sin querer queriendo se puso en escena el juego el 25 de marzo del año 2007. Ese día nada de raro tenía un concierto. En Piedecuesta es normal desde hace 100 años que cada domingo o festivo, la Banda Municipal realice una retreta por la tarde para los paseantes de la plaza principal. Lo anormal fue que al evento se sumase un telonero. Por eso el desfile del “man cabeza’e burro” causó conmoción, sorpresa y regocijo. Luego de verlo pasar con su cortejo musical, inaugurando el concierto, a Don Germán se le notó orgulloso de encontrar encarnado en su heredero aquel “príncipe de la falacia”, regente de risotada y jolgorio.

Así fue el lanzamiento de un nuevo producto: “Once Rasqas”. Y claro, un paso grande de la nueva agrupación: “Velandia y la Tigra”. La euforia del puñado de fanáticos que a trancas corearon sus canciones a pesar del aguacero, por un lado, y de lo intrincado de los textos, por el otro, selló con broche brillante un evento que esperamos no se olvide en un buen rato. Es posible, varias cámaras se encargaron de convertirlo en documento.

Resumamos pues afirmando que el hijo Velandia recibió de su padre el amor y admiración por la carranga. Algo de músico y bachiller le quedó también de los años en el Colegio Departamental “Balbino García”. Remató el prócer con su paso por la Universidad Autónoma de Bucaramanga, donde tuvo la fortuna de encontrar influyentes maestros como Blas Emilio Atehortúa, quien le aportó algunos secretos propios de la rigurosa formación académica occidental.

En el plano popular, “Santacruz” fue de los primeros intentos, hace poco más de tres lustros. Ese grupo juvenil fue el germen del mentado “Cabuya”, que a su vez fue partícipe en la histórica primera edición del finado Festival Nacional de Fusión de la Universidad Nacional de Colombia (qué lástima ese evento), en el año 2004. De esa forma hicieron público el proyecto por primera vez en la ciudad de Bogotá. Además de las 14 canciones escritas por Edson y Sergio Arias, “Cabuya” entregó con la segunda edición del disco un video dirigido por el mismo Edson.

Lo anterior solo para mencionar con cierta lógica que el hijo Velandia también le jala al audiovisual. Por eso fundó su propia empresa, “Cinechichera Reproducciones”, que le ha patrocinado no se sabe de cómo dónde, caprichos con personajes callejeros y viajecitos variopintos que incluyen desde el caribe, hasta el nordeste antioqueño. Cuentan que por allá entre el rojo monte se vino a encontrar un amor, pero obviamos el tema porque en amores se nos puede ir toda la mañana.

“Cinechichera” ofrece a su público 9 reproducciones: del año 2002, “Péreje”, corto documental de 2 minutos con 4 niños vendedores de semáforo; del año 2005, “El Bendito”, documental sobre el centenario gaitero Enrique Arias, realizado en el marco del festival de gaitas “Francisco Llirene” de Ovejas, Sucre; del mismo año un video-clip de la canción “El campesino alegre” interpretada por Macías, el cantor de Lejanías, cuya realización se desarrolló en Zona Rural de Segovia y Remedios, departamento de Antioquia; 2006 llegó con otro video-clip, la canción “Mono Hit”, que se hizo con los raperos Calle Zona, de Bucaramanga, y la gente de Cabuya. Tremendo tema.

Antes de aquel, en el año 2004, estuvo listo el mencionado video-clip de “El Billetico”, con Cabuya, y finalmente el video de “El Sietemanes”. Decimos que finalmente, porque con éste se cierra una y arranca otra etapa, de la cual son los videos correspondientes a “La Tigra”. “Sietemanes”, primer sencillo de la música rasqa, fue dirigido por el reconocido Rubén Mendoza.

Después de muchos besos y abrazos, el video pudo conocerse en 2007. Le siguieron “La cuña”, realizado por Frank Benites, “Dejo”, realizado por Mendoza, que como insigne caballero se agarro de otra tajada, y “La mafia del aguacate”, otra de esas canciones que, como “El Billetico”, ya venían desde los años de “Cabuya”. Ese lo realizó William Jones.

Van dos discos. El año que no olvida Germán Velandia es 1992. “Las profesiones”, el torbellino garlado, no fue solamente el golpe definitivo de su triunfo en Sábados Felices, sino también una reflexión burlona que, 17 años después, conserva su vigencia: un diálogo efectivo entre la academia y el conocimiento de indumentaria popular. Quizá por eso es uno de los temas más llamativos del disco “Amor, humor y canciones”, producción del año 2007, igual que las “Once Rasqas”. Aquí son diez canciones sobre tópicos variados.

Germán Velandia y su grupo “El Son Picante”, integrado entre otros por el propio papá Velandia, el Ñeque y Mapache, son exponentes de la carranga tipo exportación. Y como aporte especial, hay un tema interpretado por el hijo Velandia, con sección rap montañero a cargo de Sergio Arias, una vez más, ex – militante de “Cabuya”. Éste tema, titulado “Por jin chinita” es de lo más progresivo que se ha hecho en toda la historia del espectro carranguero.

Van tres. El otro se llama “Sócrates”, también de 2007, un disco dedicado a la infancia. Sin embargo, al escucharlo puede notarse que en su concepción la frontera de los años no existe. Es una producción con canciones que perfectamente pueden empatar en un bar, en la sala de la casa o en el jardín infantil. Gran virtud, esta novedosa propuesta fue desarrollada junto a niños y niñas pertenecientes al jardín infantil “La ronda” de Bucaramanga, quienes se entendieron a la perfección con Edson y con Gabriel Matute, bajista de “La Tigra” y escudero efectivo en estas locas aventuras.

Luego de ires y venires, de conciertos en bares anónimos y agarrones familiares, “La Tigra” se coronó un espacio en Rock al Parque 2008. Pero el aguacero, poderoso e invencible como el azar, se fue levantando detrás del escenario y en menos de tres canciones acabó con el tímido solecito y de paso la mejor cara que pudo poner el pobre cabeza e’burro. Alcanzaron a tocar cuatro canciones, pero luego de todo este carretazo, el lector entenderá el nivel de frustración con el que quedamos los pocos asistentes.

Culpa de nadie, pero que sea un motivo, (salud), para estar atentos de lo que sucede en estos días con “Velandia y la Tigra”. Junio, 2009, mes del lanzamiento de su esperada segunda producción. Con sus palabras: “En este capitulo el man Cabeza e´burro personifica a Miles Broncas, mejor conocido como Superzencillo, ¿un super héroe del monte?, ¿un burro con plata?”.

En la Radio Nacional se le escucha hace días el discazo y podemos decir que el hijo Velandia, aunque terco, no es ningún burro. Y claro, pocos billetes, pero dignos de mucha confianza. Edson Velandia es un fruto sin gusano. Bien lo dijo en otra rasqa: para pelearle al diestro, mejor entrenarse en páramo. “Superzencillo”.

Cinco, salgo a seguir buscando.

JOSÉ PERILLA
Junio de 2009

FESTIVAL DE LA LEYENDA VALLENATA: THE NEW POWER GENERATION

2009-05-07T09:36:00.000-07:00

El Rey Checho

La liturgia vallenatera tiene nuevo pontífice. Sergio Luis Rodríguez compañero de fórmula de Peter Manjarrez. Un rey de 23 años con altos bríos. Aclamado por su fanaticada, omnipresente en los medios, vendedor de discos, y portador en su expediente del Grammy Latino.
Pegado del cordón umbilical al festival, tocando desde los 5 años, Sergio Luis Rodríguez se coronó Rey Infantil en el 94 y Rey de Reyes Infantil en el 97. Aleccionado por el Turco Gil se encumbró punta de acordeón. Vulneró los oídos de Clinton en la Casablanca en el 99, y ganó el reciente Grammy Latino con el disco Sólo Clásicos que grabó al lado de Peter Manjarrez y de Emilianito Zuleta. Con técnica poderosa, mucho feeling, y un apabullante son compuesto por él, doblegó jurados y audiencia, que se rindieron y repitieron en sus proclamas el título de la puya “Vuelve Checho”. Checho es el Rey Vallenato. Una figura que se dio a conocer bajo los focos de la movida que se llamó la nueva ola, pero que sigue amarrado a los rumores de viejas voces y a las raíces del árbol que plantaron los juglares. Un acordeonero joven que lidia con tarimas locales e internacionales. Con fans histéricas, con fotógrafos, estudios de grabación, alfombras rojas, grandes shows, y con la tarea de enrumbar a la humanidad. La relampagueante carrera Sergio Luis, da al ícono de Rey el estatus de luminaria, un peldaño más para la ascensión del vallenato.

Vallenato con nuevo poder

El engranaje poderoso del vallenato aumenta su fuerza y con Festival de La Leyenda continua renovando las fachadas, inyectando sangre fresca, y apuntando a bombardear incisivamente audiencias nacionales y de fuera con el género musical más importante en Colombia. Sin dejar de exaltar los eternos héroes vallenateros, en el festival retumbó una nueva generación que aprendió de los cabecillas e invocó las almas más rezadas del vallenato. No se dejó de mencionar a Alejo, , a Colacho, o a Luis Enrique. El sonido de la caja, la guacharaca y el acordeón se esparció por el aire y no hubo que ser veterano ni costeño para hacer vallenato.
El rey de la piqueria fue un niño de 13 años que advirtió a su contrincante: “No me trates suavecito, mira que tengo talento...” la mejor canción inédita quedó en cabeza de un compositor de Quibdó que afirmó “Yo también soy vallenato” y hasta a Daddy Yankee se le escuchó la famosa “Oye bonita cuando me estás mirando.....”

A mover la platica

2009-04-27T10:34:00.000-07:00

La montaña vigila la ciudad, cuida a los habitantes, ella más que nadie sabe a qué suena ese asfalto, alerta desde su imponente mirada las ideas de los músicos, cela sus pensamientos, despierta y se acuesta con ellos. Y es justamente allí, en la capital de la montaña, donde proliferan un buen número de inquietos seres por el arte del sonido.

De pie, en el cerro del cacique Nutibara, abro mis oídos al calidoscopio que encuentro en una urbe que se empeña en crecer sin límite alguno. Y así como se expande la ciudad, cada vez es más amplio el abanico musical; porque Medellín tiene ese no sé qué que tanto me atrae, una misteriosa particularidad sin adjetivo, pero con verbos tan sensibles como: “bailar”, “vacilar”, “componer”, “tocar”, “pensar”, “sentir” y “querer”. Es sabroso y profundo, melancólico y alegre, hay tango y rock, arepa y mondongo, y forasteros como el Reggeton, que han logrado violar el oído de los jóvenes, privándolos de disfrutar lo que se cultiva en la tierrita tricolor.

En las salas de ensayo Artefacto, G-95, Jontre, Alejo García, Providencia, EL Colectivo, Green Monkey, Polaroid, Parlantes, De Bruces a Mí, La República o, Puerto Candelaria, siguen nadando contra la corriente, haciendo caso omiso a las tendencias comerciales para embarcarse sin pelos en la lengua en su propia travesía por la Independencia musical.

Hoy, volando por encima de las nubes, observando desde miles de pies de altura un pedacito de la geografía de Locombia y con el rugido del motor de fondo, una robusta canción retumba en mi mente, como un eco que no se va, con la resaca viva de una noche interminable y difícilmente inolvidable. TARTAMUDO de Gordo`s Project logra opacar el ruido y colarse en mi playlist mental. Ellos son un claro ejemplo de las dificultades de ser artista, en términos capitalistas, y de vivir en una ciudad cuyos espacios para el arte son reducidos, mientras las ideas tienen que vivir aprisionadas porque no hay quien les de luz verde para despegar. Algo infortunado, pero aún así nadie baja la guardia, rompen las barreras y cruzan espesas nubes, como las que hacen tambalear este pájaro de acero que me lleva de vuelta a la capital con una inquietud: sobra talento pero falta acción y visión.

Estoy por aterrizar, el piloto ha anunciado la abrochada del cinturón para descender en lo que para muchos es la panacea, la gran metrópoli. Aquí o allá, estamos en las mismas, mientras no haya compromiso, unión y un objetivo claro, nuestros músicos y su arte seguirán siendo intentos en vano. No hay nada mejor que casa, versa el señor Cerati, pero quisiera que esta casa fuera una sola y que en ella hubiese cabida para todos.

Veo por la ventana mi montaña cachaca y entiendo que toda esa cordillera es una sola. A mover la patica, es lo que queda por hacer, mientras un milagro nos salva.

Cielo y tierra pasarán...

2009-01-08T13:07:00.000-08:00

Por: José Fernando Perilla

Pasó diciembre con su alegría, con su parranda y su animación, pasaron festivales, fiestas, encuentros, risas y llantos, pasaron campeonatos, pasó América entera, pasaron abuelas, madres, tíos, sobrinas, bastardos, pasaron padres e hijos (y seguirán pasando), pasaron las reinas y sus atrevidas perspectivas socioculturales en relación directa con las potenciales relaciones del humano frente a los retos del entrado siglo en cualquier sentido que se les pueda encontrar, pasaron amores con buenas y malas razones, pasaron verdaderos retos al Egipto antiguo en su asombrosa estructura piramidal y pasó toda el agua que pudo pasar por debajo y por encima, pasó y pasó, hasta que el puente se quebró.

Así queridos, es el momento de hacer promesas. Propósitos, intenciones, proyectos, planes, maquinaciones, debemos tener motivos amigos míos, empresas de cualquier tipo, para seguir adelante, para continuar firmes, como el chivo, porque la vida no se acaba, porque esto sigue, porque como dijeron antes y como dirán mañana, vamos adelante... porque atrás no dejaron nada.

¿Seguimos? Si!!!, ¿Paramos? No!!!

Aquí están entonces, para todos, léase bien, TODOS los lectores de las Músicas Colombianas, estas son las promesas, los que no podrán faltar en su colección...

En orden alfabético, para no causar rencilla en el golpeado medio sonoro de la patria, mucho menos entre los profesionales del arte musical y su público, o con nosotros los escribas y por El Altísimo que lo peor aún sería el bonche entre la comunidad lectora misma.

Así que sin más ni más, los implicados son:

Asdrúbal:
La exitosa banda de jazz-punk-rock-folk-free-wow-punch-bam-pin-pum-gozadera, que “con su música nos muestra la esquizofrenia del medio urbano” comprendido entre la Candelaria y la calle 106 con av. Suba de la ciudad de Bogotá, tiene 2 discos: “La revuelta”, ejemplar publicado en 2004 del cual, para envidia de muchos, muy pocos conservamos copias aún plastificadas; y “Habichuela”, del 2006, que todavía se consigue por ahí.
Ahora están preparando una nueva placa, parece que doble, con obras bien bien bien marcianas, de las que poco suenan en el planeta tierra. Veremos.

Aterciopelados:
Bueno. Este disco ya salió en realidad. Se llama “Río”, lleva consigo el sello “Nacional”, ha sonado en la Radio Nacional de Colombia y eso, me perdonan, ya es mucho decir. Así que no digo más. Solo que para 2009 ya podrá conseguirse en las tiendas locales. Veremos.

Bolae’ fuego:
Aquí estuvieron, en los estudios de Radio Nacional, con productor a bordo “y que tal”. Resulta que, hasta donde tengo noticia, en la historia de la música en Colombia, este es el único cuarteto de batería, trompeta, trombón y contrabajo que ha logrado levantar patrocinador con acento extranjero. (Algo así como cuando Garay se inventó la categoría de “único álbum doble de folclor” en los 10 discos del año de la revista Semana, cuyo primer puesto fue atribuido, por supuesto, a María Mulata).
Bueno la visita de Bolae’ fuego fue como en septiembre-mes-del-jazz en 2008. Hasta el sol de hoy, (hoy día en que escribo el blog, no?) hasta este sol, digo, no hemos visto el disco y esto a pesar de los múltiples anuncios de su lanzamiento. Pero ojo, porque no lo hemos visto, pero si lo hemos escuchado y este cuarteto es tremenda aplanadora. Veremos.

Choc Quib Town:
Famosos famosos... y pensar que cuando tocaron (y ganaron) en Hip Hop al Parque por allá en el 2005 ó 2006, la gente como que no lo podía pronunciar muy bien. Claro, se dieron cuenta y ahora en los conciertos ellos dicen: “ChocQuib”, y nosotros decimos: “Town”, y ellos dicen: “ChocQuib”, y nosotros decimos: “Town”, ellos dicen: “ChocQuib”, y nosotros decimos: “Town”, they say: “Chocquib”, we say: “Town”. ¿Todos listos? Say entonces: !Choc Quib Town!.

Con todo y esto, el día del lanzamiento de “Oro”, su tercer disco, los patrocinadores, me imagino que sin mucha conciencia de lo que estaba pasando, escribieron mal el nombre en el cartel. Coño. Pero no importa, eso también se lo lleva el aguacero. Lo que importa es que de nuevo tendremos música, porque con nuevo bajista y nuevo guitarrista esta gente sigue trabajando, ahí si de veras, como negros. Choc Quib Town produce demasiado. Veremos.

Curupira:
Para los que no lo saben, Curupira es como una especie de ser sobrenatural del Amazonas, que tiene un pie de para adelante y el otro de para atrás. Por eso algunos visitantes incautos se pierden en la selva siguiendo un camino infructuoso de huellas sin razón.

Hay quienes piensan que con el grupo bogotano sucede algo parecido, como que a ratos no se sabe si van para adelante o en directo hacia el estanco. Pero no señores, Curupira sigue vivo y como muestra, taratatán tan tan: dos promesas. La primera es que ya está en el horno un compilado con lo mejor de sus canciones a lo largo de tres discos: Curupira, Puya que te coge y El Fruto. Pilas, esta joya viene con temas nuevos.

La otra promesa es que esto solo es el preámbulo para un disco totalmente nuevo. Si señores, nuevecito. Con exitosos como “El circo del Fracaso”, “Décima con 19” o la tan esperada canción dedicada al infortunio policivo del suscrito, “La varilla de Perilla”. Veremos.

La Revuelta:
Hasta el año 2007 el “Petronio Álvarez” (Festival de Música del Pacífico) se celebró en el auditorio al aire libre “Los Cristales” de Cali. Una de las cosas que hacían de este lugar un espacio profundamente molesto y encantador a la vez, era el aproximadamente medio metro cuadrado para gozar a montón con el que contaba cada ser humano, independientemente de su edad, sexo, raza, religión, genio, peso, estatura o estado de conciencia. Bueno, desde un cuadrito de esos, como un ladrillo más en la pared de gente que pudo sentirse rugir en cada edición del “Petronio”, pude ver a La Revuelta.

Y no porque fueran bogotanos, al igual que yo, terminé brincando y bailando como loco. Y digo que no fue por eso, porque igual que yo lo hizo la gente de Cali, la de Buenaventura, la de Guapi, la del Choco y en general todos los que quedamos como rotos, digamos, cuando no ganaron los blanquitos. No pasó nada, igual para eso están los aguaceros.

Lo que importa es lo que pasará. Y eso consiste en que La Revuelta prometió disco con sus éxitos del Petronio. Ojo, entre otras: “El puente del Piñal”, con la voz de Ailín Calderón; “Callestano Reloaded”, con Isabasia; y para rematar, como lo hicieron aquella noche poderosa, “A comer cangrejo” con el embrujo de Veronica Atehortúa. Veremos.

Sóyame la Marimba:
Bueno ya que estamos de marimba, pues valga mencionar una vez más que esta agrupación acaba de ganar el primer puesto de la modalidad libre dentro del marco del “Primer Festival de Marimba”, desarrollado en Cali el pasado mes de diciembre. El disco estará listo, según me contaron, para finales de enero. Conjunto de marimba tradicional, con inclusión de algunos instrumentos que llaman “foráneos”, o sea de eso que no se veía antes, pero que ahora abunda.

Solo una vez he visto a esta gente. Fue en la serie de conciertos que tristemente el teatro Arlequín de Bogotá ya no hace. Dedicaban un espacio de los sábados a nuevas bandas, en su mayoría proyectos universitarios. Se interrumpió cuando alquilaron el espacio para la extensa temporada de “La tiendita del horror”. Que pesar. Pero bueno, un aguacero más que se lleve esos tristes recuerdos, no pasa nada, solo que de aguacero en aguacero... pues ya sabemos que es lo que pasa.

Yo salí muy contento de ese concierto. Muy contento. Además ese día le abrieron a Gualajo cuando tocó con otro rey marimbero, el grande Papá Roncón, de Esmeraldas, Ecuador. Fue tremendo. Por cierto, el marimbero de Sóyame es el manager de Gualajo. Vea usted, si no es por un lado, es por el otro. Veremos.

Water Resist
Y ya que estamos tan mojados, pues que mejor que concluir esta entrega con los Water Resist.

Este es un proyecto que entró en la programación de Radio Nacional de Colombia vía “Demo Estéreo”, ese espacio de los domingos a las 3 p.m. dedicado a publicaciones de poca circulación, generalizando bastante el criterio.

Un disquito cuya presentación parecía como pegada con sustancias mucosas. Una hojita fotocopiada ahí, donde mencionaban los integrantes y otros datos habituales de la industria. Nada raro. Lo poco habitual en ese sentido era la invitación a “piratiarlo”. Pilas, la sorpresa fueron los treinta y pucho de minutos musicales. Unas semanitas de por medio y “Loop Mantra” escalaba posiciones en el “Top 10” de Músicas Colombianas. Tremendo disco. Ahora le damos con “400 años después”, otra muy buena canción.

En esa etapa el grupo fue liderado por Andrés Correa, el mismo que trabajó junto a Pala en otro reconocido proyecto de esta Radio, “Socios Ociosos” y que además cuenta con buenos discos en su haber. La cosa es que el grupo sigue pero ahora, como un ente amorfo, la cabeza es otra. Ahora van a grabar las canciones de otro integrante y prometieron ofrecer resultados en 2009. Veremos.

Bueno hasta aquí por el momento, pero faltan mas promesas. Aquí una lista:

1. Gallo - Flórez Dúo (Ricardo Gallo al piano y al lado de Alejandro Flórez en el tiple y la bandola)

2. Gordo’s Proyect (De Medellín, Neo chucu chucu)

3. Lulacruza (De la onda neo-pachamámica, gran inspiración espiritual)

4. Mojarra Eléctrica (tercer disco de una banda que lleva consigo la responsabilidad de haber surgido con el uso indiscriminado del confuso termino “Fusión”)

5. Nawal (Reggae bogotano de lo más reconocido, con Sargento García a bordo)

6. Parlantes (Desde Medellín, algo de pop pero creativo)

7. Pársec Trío (Jazz Power Trío Melodioso)

8. Velandia y la Tigra (De esta feroz agrupación si mejor no digo nada hasta la próxima entrega. O mejor, que lo diga Luis Daniel Vega, que le tocaba a él esta vez pero no quiso escribir nada. Es más, que reseñe él estas 8 promesas que me faltan. Yo ya me cansé. Por su atención muchas gracias y hasta la próxima).

PD: Hasta el momento van 16. Seguro faltan, complete usted la lista, no sea tímido. Eso si, con reseña.

Mi Selección Colombia

2008-11-28T15:07:00.000-08:00

Por: Luisa Piñeros

A puertas de darle otra vuelta al calendario y cerrando un movido año para la música en Colombia, propongo darle una perspectiva futbolera y más deportiva a un tema aparentemente serio, como lo es la música de nuestro país.

Un partido de fútbol es de 90 minutos, las reglas las conocemos, o al menos las básicas. Once personajes se disputan el honor, el orgullo y la gloria detrás de la esférica. El que gana es el que goza. Por eso, mi selección es de amigos sin rivales.
Caso hipotético: si tuviéramos que enviar una nomina de músicos para que nos representen en el exterior, enviaría al siguiente equipo, la primera selección mixta:

Director Técnico: Álvaro José “El Joe “ Arroyo.

Arquero: Tostao ( Choc QuibTown)

Defensa central: Alfredo Gutiérrez y Andrea Echeverri (Aterciopelados)

Defensa lateral: Toto La Momposina y Victoria Sur

Volante de creación: Jorge Veloza y José Antonio Torres “Gualajo”

Volante recuperación: Carlos Vives y Simón Mejía (Bomba Estéreo)

Delanteros: Jacobo Vélez (Mojarra Eléctrica)y Juanes

Entre el fútbol y la música se teje un importante puente. La diferencia es que en esta imaginaria selección los goles los meten todos estos talentosos músicos que orgullosamente nacieron en esta patria de pirámides, escándalos, inviernos y fiesta.

¿Cuál sería su selección ideal para el 2009?

A mover la patica con la Radio Nacional de Colombia

Folklore urbano: ¿Contradicción inherente?

2008-10-16T09:36:00.000-07:00

Por: JOSÉ FERNANDO PERILLA

El constante flujo de informaciones, percepciones, experiencias, saberes y aprendizajes, intensificado de manera vehemente en los últimos 40 años, ha traído consigo nuevos retos en la forma como se observan y definen fenómenos socio-culturales contemporáneos. La música en particular, sujeta, por la elaboración de su historia desde la perspectiva moderna occidental, a conceptos específicos y categorías clasificatorias estáticas, hoy se nos presenta como un conjunto creciente de expresiones particulares, que se resiste a la pretensión del bautismo clasificatorio, y en cierta medida generalizante.

Términos como “Fusión”, “Nuevas músicas colombianas”, “Nuevas músicas nacionales”, o “Folklore urbano”, han alcanzado relativa aceptación para definir la forma en que se desempeñan un amplio número de músicos interesados en las posibilidades sonoras que resultan de la conjunción de diversas tradiciones, algunas en vínculo directo con el territorio colombiano. No obstante, una revisión de lo que aquellos implican, resulta en inquietantes contradicciones y sobre todo en una evaluación pertinente sobre la manera como definimos nuestro entorno cultural (1). Nos detendremos aquí en la ambigüedad que se crea al vincular el entorno urbano, con la concepción folklórica.

En su texto “Hacia el Estudio Musicológico de la Música Popular Latinoamericana”(2), Juan Pablo González Rodríguez toma parte de los cuestionamientos sobre el devenir cultural latinoamericano planteados desde diferentes disciplinas en la segunda mitad del siglo XX: “En un intento por abrir la academia a la bullente vida de la cultura popular en América, propongo que la Musicología se haga cargo del estudio de la Música Popular Latinoamericana”(3).

Su propósito lo lleva a realizar una clasificación de “los géneros de la música popular latinoamericana”, tomando como punto de partida “procesos socio culturales desarrollados acá desde finales del siglo XIX hasta nuestros días” (4). El primero de los géneros propuestos responde a la “Folklorización de la Música Popular”:

“Existe un conjunto de especies, como el tango, el vals, el bolero, el samba-urbana y el choro que, surgidas o adoptadas en las áreas urbanas durante la segunda mitad del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, mantienen su vigencia popular hasta hoy imponiendo su presencia en los medios de comunicación masiva.

El origen urbano de estas especies se puede observar en sus requerimientos instrumentales, en el contenido de sus letras o en las coreografías de sus bailes, más elaboradas y sensuales que las de las áreas rurales. A diferencia de otras especies de origen urbano, estas han pasado a constituir un patrimonio cultural comunitario para el pueblo latinoamericano, el cual se identifica y cohesiona en torno a ellas, otorgándoles una ‘calidad folklórica’.

La folklorización de la música popular urbana ilustra la existencia de un ‘folklore urbano’ que ha producido un repertorio musical permanente en el tiempo o ‘clásico’, y que mantiene vigentes especies de cerca de un siglo de antigüedad. Ellas permiten nuevas creaciones e interpretaciones y sirven de base para procesos de fusión”(5).

Sorprende el lenguaje utilizado por el autor, si tenemos en cuenta que el texto fue escrito en el año 1986. Términos como “Especie” se relacionan con el pensamiento clasificatorio propio de las ciencias naturales, fundamentado en el racionalismo del siglo XVIII, sobre el cual se basaron las primeras orientaciones metodológicas de la musicología. Durante la primera mitad del siglo XX sin embargo, el “rigor científico”, representado en la búsqueda de una única verdad fruto de la razón moderna, dio paso a una concepción disciplinaria de la Musicología, y posteriormente de la Etnomusicología, en la que “no se posee ese incuestionable grado de exactitud atribuido a las ciencias naturales”(6).

En reacción a aquella pretensión de la razón universal, en el siglo XIX se intensificaron posiciones fundamentales para el sentir romántico. “En 1846 el término ‘folklore’ fue creado por William John Thoms, anticuario de profesión. Ante el surgimiento de la racionalidad política, de la innovación como valor estético y del progreso como valor político y científico, el folklore es visto como un vínculo positivo con el pasado, vinculo que remite a un mundo en vía de extinción ante los avances desbordados del progreso”(7) .

Esta tendencia sin embargo, terminó por suprimir el sentido histórico de expresiones ajenas al enfoque racional, atribuyéndole al folklore una pureza inherente que trajo entre otras consecuencias, la “abstracción conservadurista de la identidad como algo que reside mas en un objeto o en una expresión artística, que en los usos que las personas hacen de las expresiones culturales”(8).

Amplios compendios de “folklore nacional” son el resultado de orientaciones metodológicas que se mantuvieron vigentes hasta los años 60 y 70, fundamentadas en una concepción “esencialista” donde, por ejemplo, para el caso de estudios antropológicos realizados en los años 20 y 30, “cada comunidad o grupo indígena tenia su identidad cultural, la cual existía porque sí, y no porque se diera dentro de una relación dinámica de intercambio”(9).

El Folklore es visto entonces como algo único e inmutable, ligado a un grupo ajeno al contexto urbano y a la modernización que, eventualmente, contamina y destruye su pureza. Ese carácter de quietud y conservación, similar al de la concepción clásica de un museo, es fundamento para que Juan Pablo González afirme la existencia de un “folklore urbano” en un repertorio musical “permanente en el tiempo”, con el referente de que este ha durado “cerca de un siglo”.

Esta condición sin embargo, no suprime lo contradictorio que resulta conciliar la “estabilidad” folklórica con la esencia comunicacional y de intercambio propia del medio urbano en el siglo XX. “Las ideas de un pretendido continuo Folk-urbano hoy son prácticamente insostenibles, en cuanto niegan la posibilidad de conservar tradiciones a medida que se avanza en la modernización hacia las urbes. Esta modernización era vista como homogénea, cuando en la actualidad no se puede desconocer la enorme heterogeneidad que la caracteriza y que se revela en la complejidad y estratificación de las ciudades –especialmente en las preindustriales- donde hay grandes núcleos de preservación y funcionamiento de tradiciones rurales.”(10).

La preservación y funcionamiento citados, se fundamentan precisamente en la capacidad de asimilar el cambio producido por un nuevo contexto. Al analizar el uso que recientemente se le da al término Folklore en vínculo con lo urbano, se manifiesta entonces una nueva significación en la que el folklore se enviste de una noción dinámica, contraria a su concepción original. Es decir, folklore se asimila a la manera como Morales Gómez concibe el concepto “Tradición” cuando afirma: “La tradición no está únicamente referida al pasado [como el folklore en su acepción original]: puede ser analizada además como la fuente de muchas sociedades para entender el porvenir. Así, se enlaza con las concepciones temporales, que son muy diversas y, por tanto, no coinciden con la nuestra, en la cual prima la linealidad de hechos consecutivos”(11).

¿Será correcto entonces continuar con el uso del término “Folklore” y asumir que precisamente, como la música que quiere designar cuando se encuentra acompañado del adjetivo “Urbano”, esta sometido a un constante cambio en su contenido y significado, o por el contrario, debemos revisar en detalle el contexto en que surgió la palabra, su intención original, y darnos cuenta que las orientaciones creativas contemporáneas se encaminan en una dirección contraria?

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PIES DE PÁGINA:

(1). Ver también “Músicas en el anonimato: la búsqueda de un sentido esencial” en Papel Salmón Edición 725 Diario LA PATRIA. Manizales Septiembre 10 de 2006.
(2). GONZALES RODRIGUEZ Juan Pablo, “Hacia el Estudio Musicológico de la Música Popular Latinoamericana”,en Revista Musical Chilena, 1986, XL, 165, pp 59-84
(3). RODRIGUEZ GONZÁLEZ Juan Pablo, op.cit. p 59
(4). Ibid. p. 60
(5). Ibid. p. 61
(6). HARAP Louis. “On the nature of musicology”. En The MusicalQuartely, Vol. 23, No. 1 Enero 1937, pp 18-25
(7). OCHOA Ana María, op. Cit. pp. 92
(8). Ibid. pp 93
(9).WADE Peter “Identidad”. En Palabras para desarmar. Una mirada crítica al vocabulario del reconocimiento cultura. Ministerio de Cultura – Instituto Colombiano de Antropología e Historia. Abril 2002. pp. 260
(10).MORALES GÓMEZ Jorge. “Tradición, usos y costumbres”. En Palabras para desarmar. Una mirada crítica al vocabulario del reconocimiento cultura. Ministerio de Cultura – Instituto Colombiano de Antropología e Historia. Abril 2002. pp. 396
(11).Op.Cit. pp 397

RADIO A LA COLOMBIANA

2008-09-16T14:52:00.000-07:00

Por: Luisa Piñeros

Dando tumbos por el dial, en la mitad de la onda hertziana, Bogotá tiene un número único: 95.9. En frecuencia modulada desde hace once meses anónimos amigos de la radio, comenzaron a notar que algo misterioso y casi mágico sonaba. Colombia en la radio, Colombia y su música. Libre de cualquier patriotismo banal, toparse con la Radio Nacional en cualquier rincón de este país, es una suerte inexplicable. He tenido la experiencia de viajar por carretera y acompañarme por la RN, he estado en la Guajira escuchando la RN, he pisciniado en Girardot con la RN y cada día estoy más convencida de la increíble labor que en equipo está realizando al darles vida y voz a nuestros músicos y artistas. Gracias a ellos es que puedo tener una dimensión más amplia y abierta de esta geografía tan gocetas, disciplinada y creativa.

Sólo repare en la oferta musical que otras estaciones ofrece, obviamente guardando las proporciones y el espíritu que nos diferencia; vuélvase estadista y ponga en porcentajes cuántos grupos o artistas nacionales programan sin ningún tipo de compromiso u obligación. Investigue si Comadre Araña, Banda La República, Alfonso Córdoba, Carmelo Torres, Lucía Pulido, Cimarrón, Pala, Parlantes, Lucas Saboya, Juan Sebastian Monsalve, Velosa y Los Carrangueros, Ricardo Gallo, Asdrúbal, Herencia, Los Gaiteros, Puerto Candelaria, La niña Emilia, Bomba Estéreo, Plan C, Azul Trabuco, Andrés Landero, Son del tuno, Creole, y un sin fin más, suenan a la par como lo hacemos día a día en RN.

Si me lo permiten, hablaré más humanamente para dejar en claro mi amor profundo y mi respeto invaluable por la música, en especial la que le compete a este trajinado país. Hace un par de meses lo dije “La Música nos salvará”. Así que déjenos entrar en sus oídos, tocar sus corazones, transformar sus pensamiento y hacerlos parte de este viaje sonoro por Colombia, que va al pasado para recordarnos quiénes fuimos y a la velocidad del sonido vuelve al presente con todas sus novedades, con todo su esplendor.

Somos una radio moderna con un repertorio único y con los protagonistas musicales del momento. Nada de farándula, puro talento y entrega. Eso somos. A mover la patica con la Radio Nacional.

Músicas Colombianas Lunes a viernes 10 a.m a 2p.m
Top 10 – domingos 12 del día.

Me gusta el Top 10

2008-08-10T09:50:00.000-07:00

Por: Luisa Piñeros

Me vuelvo una oyente más de la Radio Nacional cuando escucho el Top 10. Los domingos al medio día estoy frente al radio esperando descubrir a qué suena Colombia por estos días.

En 60 minutos logro recorrer los cuatro puntos cardinales de mi geografía sonora, pasando con total libertad de un Bullerengue con la fuerza de su tambora y el ímpetu de sus Cantaoras, a un pasivo pero contundente bambuco. Y así sucesivamente ir escuchando propuestas muy, muy novedosas que solo ofrece la Radio Nacional y que se sintetizan en un conteo musical. Azul Trabuco, Andrés Correa, Mónica Giraldo, Lucas Saboya, Alfonso Córdoba , Banda la República, Comadre Araña, Dúo Barrockofilo, Ana Veydó, Campo y Sabor , Chocquibtown, Grupo Orilla, Los Gaiteros de San Jacinto, Poper, Vietato, Artefacto, La 33, Común Tres, Carlos Vives; todos ellos y muchos más son los protagonistas de este espacio que ofrece una oferta musical única en la radio colombiana. Un conteo de música colombiana, exclusivamente de grupos, bandas y artistas colombianos... muy colombianos, por fin tenemos un lugar donde aterrizar tanto ingenio musical, hay una radio que le apuesta a los suyo libre todo patriotismo. Me gusta el Top 10, así de simple.

Cada domingo, a las doce del día, mientras las ollas se van montando en los fogones, adobe sus ingredientes con el más selecto repertorio colombiano. Sazone su comida con el picante de la salsa bogotana, aromatice con un buen bambuco , póngale la sal de la carranga, ajos de chirimía, yuca con sabor a vallenato, tomates picados para darle sabor al pop, aguacate y papas saladas para un pajarillo llanero.... puede verter más y más ingredientes, así como canciones. Revuelva sin afán alguno, póngalo en sus oídos, sírvalo en las cantidades que guste, y saboree el sonido de Colombia.

A mover la patica y gracias por escuchar

Lp

La música nos salvará... llega el Gran Concierto Nacional

2008-07-16T20:32:00.000-07:00

Por: Luisa Piñeros

El mes de Julio sin lugar a dudas ha sido histórico para nuestro país. Liberan a los secuestrados, gana el chicó boyáca el torneo de Futbol, tenemos virreina universal y para rematar Gran concierto Nacional.

Colombia da pasos cortos hacía la reconciliación, hacía la búsqueda de unificar el país y que mejor oportunidad que los 198 de celebración de la Independencia para unirnos a través de la Música... Y por fin música colombiana.

Mil Municipios y las principales ciudades se adhieren a esta iniciativa del talentoso productor, músico y compositor Iván Benavides, curador artístico del Gran concierto.

Lo más valioso de esta fecha es la posibilidad de que tan diversos géneros coexistan en una sola tarima. Mezclar el sonido moderno de los llanos ( Ensamble sinsonte) con el ska rock ( Dóctor Krápula ) , el sonido de la marimba del pacífico ( gualajo) con el golpe de la salsa dura ( Toño Barrio ), los violines y las flautas ( Orquesta Batuta) con el vallenato pop ( Carlos Vives ), las cantadoras, los rockeros, los jazzeros, los comerciales, los que sean, pero ahí estarán importantes figuras de nuestro país en una jornada de cuatro horas, diciéndole a este humilde pueblo por qué a veces la música SÍ puede salvarnos.

Es la primera vez que se realiza un evento de esta magnitud, justo el día en el que se instala el congreso , marchará una multitud en pro de la libertad de los secuestrados, habrá más de mil tarimas sonando, un solo desfile militar y un derroche enorme de música. Este 20 de julio cambiaremos las armas por canciones y seremos protagonistas de un país que si puede ponerse de acuerdo para cantar.

La Radio Nacional de Colombia y su programa de Músicas colombianas es parte de este Gran Concierto y agradece la disposición y buena onda de sus oyentes.
Un gran saludo para usted querido lector y para usted, el que siempre escucha.

Salud y a mover la patica!

COFRADÍA: HERMANDAD, ORDEN, COMPAÑÍA... GRUPO.

2008-07-09T20:35:00.000-07:00

La Cofradía estudia de cerca la tradición musical andina colombiana para entregar este año gratos resultados en un disco que con su propio nombre, La Cofradía, da muestra de una fuente que hasta el momento parece no agotarse.

Muy diversas etapas ha tenido el desarrollo de la música andina colombiana. Desde ser bandera hace 100 años de una generación de músicos inquietos por la identidad nacional, pasó por el dulce favor de la industria discográfica, llegando a una actualidad con menos difusión, pero no por eso con limitaciones creativas.

Por el contrario, en los últimos años nos hemos encontrado con muy interesantes y diversas propuestas donde se ofrece una gama inmensa de posibilidades sonoras realizadas sobre la base ofrecida por recursos musicales centenarios.

Es el caso de la agrupación bogotana La Cofradía. Con un creciente número de presentaciones en festivales y concursos, entregan al público su primer disco conformado por 11 cortes, donde dan muestra de la forma como interpretan composiciones clásicas del repertorio, al lado de nuevas creaciones para el formato, firmadas incluso por sus propios integrantes.

La Cofradía es, por tanto, una Estudiantina. Oscar Santafé, su director y tiplista, ha desarrollado una destacada labor como pedagogo de 10 jóvenes estudiantes en la Universidad Pedagógica Nacional. Allí se han reunido cuatro bandolas, dos flautas, dos guitarras, dos tiples y un contrabajo. Un formato que poco dista de las experiencias de grandes figuras como Pedro Morales Pino (1863 – 1926) o Emilio Murillo (1880 – 1942). De por medio están, sin embargo, músicos de la talla de Oriol Rangel con su Nocturnal Colombiano, o Fernando “El Chino” León, director de Nogal Orquesta de Cuerdas, experiencia que, finalizando los años 80, descubrió en gran medida el camino para alcanzar estos nuevos horizontes.

Los Cofrades dan luces sobre el camino que siguen diversos tipos de escuelas, empeñadas en mejorar el nivel del ambiente musical colombiano. Clasificados hasta la final del más reciente festival “Mono Núñez”, dejaron claro en el ambiente que sus pasos son nuevos y que por el momento, el reto le queda a los oyentes.

Bomba Estereo: Puro vacile efectivo

2008-06-23T16:30:00.000-07:00

Bomba Estereo: Puro vacile efectivo

Calentura corporal, bajos densos, imágenes urbanas proyectadas, cuatro músicos en escena y muchas canciones hiladas por la cumbia. Critica, reflexión, rumba. La bomba está que estalla y su estruendo sonará en Estéreo

Para Mi gente Bacana!

La primera impresión que tuve al escuchar a Bomba era la de rebobinar el cassete y viajar a la velocidad del sonido a los mejores momentos de la música tropical Colombiana de los setenta. Afrosound, El burro Mocho, La Niña Emilia, Alfredo Gutiérrez, El Joe Arroyo. Todo eso hizo eco en mi mente y se mezcló con una cuota de postmodernidad increíble. Con Bomba el tambor y el sintetizador comparten el mismo espacio y entre Simón Mejía, Li Saumet y Diego Cadavid, logran capturar la esencia de la cumbia para transformarla en una experiencia densa, profunda, excitante y agradable de sentir. Es la cumbia colombiana del siglo XXI que empezó a cobrar vida con Simón

que tenía el proyecto de electrónica latina A.m. 770, con d.j. fresh, Diego Cadavid, Simón Hernández y Javier Fonseca de Alerta. Liliana era la cantante de Mister Gomes en Bombay, una banda de regage dub

“ Simón necesitaba una cantante estilo cumbia y me llamó por medio de un amigo con el que ya había trabajado, Pablo Gaviria de Paralelo 640. Me mostró la pista y sobre ella escribí una letra. A él le gustó y la grabamos. Ahí comenzó todo”. Cuenta Liliana Saumeth ,una samaria que le da a Bomba Estéreo el carácter femenino.

Del encuentro entre Li y Simón salió “ Huepaje” , música de él , letra de ella y con la que se inició esta explosión de sonidos caribeños hechos en Bogotá.

Volumen 1 es la primera producción de Bomba, un totazo musical para aquellos que les gusta la densidad, el baile, lo tradicional y buenas letras. Simón explica “Queremos rescatar los sonidos clásicos tropicales partiendo de nuestros gustos y vivencias contemporáneas. Lograr un sonido que entiendan desde las abuelas, por la cumbia, hasta los jóvenes por la electrónica y el hip hop. “

Si no ha escuchado Bomba esta podría ser una descripción muy diciente de lo que busca el grupo, en palabras de Li “ esto es ajiaco con pescao, carnaval con festival de teatro, parque tayrona con Monserrate... bomba suena a Bomba.

En la actualidad, Bomba entra a ser parte de un proceso de construcción de un movimiento nuevo de música urbana latinoamericana. Wakal en México, Mambotour en Chile, Las Cumbias Queers en Argentina, todo esto bajo la influencia de grandes de la música como Celso Piña, Lucho Bermúdez, Joe Arroyo, Toto la Momposina, Noel Petro, Jairo Varela, La niña Emilia, Peregoyo, Pacho Galán Estercita Forero.

Caliente, caliente, ritmo pa´la gente ¡

Una suerte de combinación perfecta tiene Li Saumeth. La malicia y fuerza de La Mala Rodríguez y la dulzura y tradición de La Niña Emilia. En tarima uno llega a pensar que ella puede ser la revelación de la música colombiana actual, nada que envidiarle a las que andan montadas en el top 10 radiales. Tan fuerte y segura es de lo que hace, que compuso una de las canciones más reveladores que hayan escuchado mis trajinados oídos hasta el momento: Niña Rica... y cito “

“ y me perdonan , pero que pena

son ricas por dinero o por que están buenas

no comen grasas, no comen harinas

solo consumen 10 gramos de cocaína

no tienen celulitis, no tienen estrías

tienen veinte años y treinta cirugías

el manos de tijeras les quedo chiquito,

pareces un mounstro pareces un mito

te veo en la playa y siento que vomito

eso no es belleza como te lo explico “...

Esto es cumbia Colombiana!

En vivo los apoya Diego Cadavid en la percusión y Kike en la batería. El concepto visual le apuesta a las imágenes cotidianas, a los lugares apartados, a la guerra, a lo bonito de la vida. Texturas, colores, sonidos, todo esto junto genera una sensación de descubrir a San Basilio de Palenque desde una pantalla en Bogotá, de viajar por la ciénaga de SantaMarta con los audífonos puestos, de explotar una bomba con todas esas canciones que harto le están regalando a la movida nacional.

La búsqueda actual del grupo va por la senda de los ritmos afrocolombianos combinados con los electrónicos. “ yo todos los días exploro y quiero hacer con la voz, efectos y cosas raras. Me gusta jugar con lo micrófonos , hacer cosas diferentes.”, afrima Li.

Por su parte simón es el encargado de la espesura de Bomba , de ese sonido que se parece glicerina entrando a los oídos . Bajo en mano, sintetizadores, secuencias y samples va disparando con una energía tal que no bailar es imposible. Son los sonidos del ayer que están grabados en el hipotálamo de muchos de nosotros y que ellos traen a colación de forma perspicaz.

Con curiosidad le pregunto a Li cuál es el aporte de Bomba a la música colombiana: ”Tengo problemas con esta pregunta siempre porque todavía no

sabemos cuál es nuestro aporte... Ve y pregúntame en diez años y te digo cuál

fue...

A punta de creatividad y exploración sonora han logrado afincar una idea en la que a través de ritmos y letras dejen algo en la gente , no solo baile y folclor si no también una conciencia y en la que no tienen miedo a opinar.

Goce con el volumen 1 y no deje de mover la patica con los temas Tambora, Corinto, Ataole Remix y sus nuevos grandes éxitos “Pa´ti” y “Agua Salá”

www.myspace.com/bombaestereo

COMADRES CACHACAS

2008-06-13T14:21:00.000-07:00

COMADRES CACHACAS

CON ACENTO DE LAS COSTAS COLOMBIANAS

Un nuevo disco ve la luz en el complejo mercado musical colombiano. La agrupación bogotana Comadre Araña, tras unos pocos, pero largos años de espera, sorprende con un producto nada ortodoxo en el creciente ámbito de la denominada “fusión musical”, abriendo un espacio en la maraña confusa que representa trabajar de manera independiente.

Esta propuesta musical responde en gran medida a las condiciones urbanas contemporáneas dentro del contexto latinoamericano. En el último cuarto de siglo, con mayor impulso desde los años 90, Bogotá ha sido un punto de encuentro de diferentes tradiciones socio-culturales, algunas de implicación global y otras hasta el momento

desarrolladas en vínculo con contextos locales específicos. Entre otras razones, las nuevas condiciones tecnológicas, y en particular la implementación de recursos digitales, permiten una mayor articulación entre expresiones musicales de diversa procedencia, para el surgimiento de novedosas orientaciones estéticas, sin que necesariamente se presente un resultado uniforme.

Lo anterior, sumado al interés en el aprendizaje de músicas tradicionales y una revaloración de manifestaciones culturales ajenas en parte al desarrollo occidental, son factores que inciden en el amplio rango de influjos que se dejan ver en la música de la Comadre. Por tanto, catalogar esta propuesta dentro de un género específico es una tarea imposible. En la música de Comadre Araña confluye de manera preponderante la esencia de las tradiciones generadas en las costas atlántica y pacifica colombianas, interpretada dentro d

el marco que brinda la armonía moderna y una complejidad rítmica que nos transporta desde la invitación al baile de la cumbia, el bullerengue, o el currulao, hasta momentos que apelan a la libertad del jazz, a la fuerza y la vitalidad inherente al rock, sutiles trazos del reggae, del pop e incluso de la ambigüedad minimalista.

Comadre Araña es en principio el título de una juga grande, “la mama de todas las jugas”, en palabras del marimbero José Antonio Torres “Gualajo”, músico procedente de Guapi, un pueblo ribereño en cercanías a la costa pacífica colombiana, donde la juga y el currulao son géneros de primer orden. De allí toma su nombre esta novedosa propuesta colombiana integrada por 10 músicos que, de manera análoga al insecto de la denominación adoptada, entretejen una red musical de amplia envergadura, en la que seguramente

quedarán atrapados bastantes, a juzgar por el resultado musical conseguido hasta el momento, apto para un público heterogéneo que ha seguido su trayectoria.

Para la grabación sus integrantes fueron Juanita Delgado, Adriana Vásquez, Verónica Atehortúa y Urpi Barco en las voces, Edwin Ospina en la guitarra y el tiple, Juan David Castaño en la marimba, Rocío Medina y Andrés Felipe Salazar en los tambores cununos, el tambor alegre y el bombo, y Juan Sebastián Monsalve en la dirección, las programaciones y el bajo.

JOSE FERNANDO PERILLA

Músicas Colombianas

Panorama Estereo

2008-05-28T12:35:00.000-07:00

Discos que hacen parte del repertorio de la Radio Nacional de Colombia y que ustedes pueden conseguir para alimentar sus colecciones de buena Música. Discos que están firmados desde el 2007 y que hoy en día siguen vigentes en las Músicas Colombianas

Calambuco: Como en el barrio

Sello: independiente

Recuperando el sonido de la salsa setentera, esta agrupación con integrantes de Cali, Bogotá, Quibdo y Guapi nos regalan una fuerte dosis de descarga que pone a bailar al más parco. Sonido contundente, acoplado, salsa hecha por músicos muy jóvenes que en bloque suenan como un roble. La apuesta de una salsa con reminiscencia clásica y aroma capitalino le dan una identidad propia a Calambuco en estos diez temas con los que debuta. Guajira, guaguanco, bolero y descarga salsera reunidas con mucho talento en un solo disco. A mover la patica con “ Te Falta ritmo y Guajira de un abandono”. Descanse los piecitos con el bolero “ Me sorprendo “.

Disponible en tiendas

calambuco@gmail.com

Oxmo Puccino & ChocQuibTown : Paris – Bogotá

Sello: Alcaldia de Bogotá – Embajada de Francia

El encuentro de quince días por una residencia artística entre el rapero francés Oxmo Puccino y los chocoanos de CQT, dio como resultado este ep de 4 canciones. Paris y Bogotá ahora tienen algo en común y es la música, el hip hop, ese sonido que habita en su mayoría en las zonas periféricas de las ciudades. Un trozo del pacífico con su marimba de chonta y el flow de CQT . Un pedazo del viejo mundo con el fraseo y el ritmo de Oxmo. Interesante proyecto que conserva un espíritu muy negro, muy africano. “ Volví a mis raíces “ es la síntesis de este disco que puede descargar en :

www.myspace.com/chocquibtown

NEOTROPICAL

Sello: MTM

Una nueva etapa en la música colombiana se advierte en esta bien lograda selección sonora. Fandangos, Bullerengues, currulaos, se amasan simultáneamente con bajos eléctricos, baterías y tintes electrónicos. La música colombiana se modernizó y esta viviendo una etapa nueva. Banda La República, La Mojarra Eléctrica, Alé Kumá y Liliana Montes, son apenas ejemplos valiosos de la evolución y el vuelo alto que han tomado los ritmos colombianos. Arme una buena rumba casera con estas 14 canciones que se dejan bailar acompañaditas de ron.

www.musicasdecolombia.com

EDSON VELANDIA: SÓCRTAES

Sello: Cinechichera Reproducciones

Edson Velandia y su genio musical, esta vez le apostó a los niños. En los salones del jardín infantil “ La ronda”, se cocinaron 10 canciones, cuyas palabras todas son esdrújulas. Curioso, cierto? Y lo mejor es que estos párvulos que no pasan de los 6 años le dan vida a unas canciones si

n lógica alguna. “El ordén de las ovejas no altera la correría” ( Las tablas), “cuando baila la cara e muergana, se balancea” ( La Calavera), “Lo mismo es gancho que ropa ”(Ni más ni menos). Fábulas, historias, reflexiones y un aporte musical para los niños de 0 a 100 años. Sócrates, un disco que nos enseña que los más pequeños van a la velocidad de la luz.

www.velandiaylatigra.com

TRES GATOS : K-MINOS

Sello: independiente

Que bien le calza el jazz a una ciudad como Bogotá. Este género poco valorado por el público, tiene a tres jóvenes jugueteando con notas y dando su visión cachaca de diversos estilos jazzisticos. K-minos es el álbum debut del trío que lleva desde 2005 en la búsqueda sonora. Un disco de carácter suave que marcha acoplado entre la batería, el bajo y la guitarra, donde también deja escapar en sus vuelos de improvisación un espíritu rockero, un aire progresivo, un guiño de rudeza y melancolía.

Atrapante la intervención de Gina Savino en la voz, para el tema Desvelo, original de Jorge Drexler. “ Oye lo que te traigo”, “ Nicodermo” , “ Sotános”, puro jazz soyadito hecho en la capital.